Iblard Jikan es un animé de Estudio Ghibli, lanzado en Japón en DVD y BluRay el 4 de Julio de 2007, como parte del “Ghibli ga Ippai Collection”. Está dirigida por Naohisa Inoue. La historia se desarrolla en el mundo imaginario de Iblard, originalmente representado en pinturas de Inoue. Las pinturas de Iblard también inspiraron las secuencias de fantasía de la película de Ghibli “Whisper of the Heart”.
Calidad: (DVDRIP)
Duración: 32 minutos
Formato: RMVB
Tamaño: 100MB aprox.
Género: Dibujo, Musica, Arte
Idioma: Original Sin Dialogos
AÑO 1994
DURACIÓN 92 min.
PAÍS [Nueva Zelanda]
DIRECTOR Lee Tamahori
GUIÓN Riwia Brown (Novela: Alan Duff)
MÚSICA Murray Grindlay & Murray McNabb
FOTOGRAFÍA Stuart Dryburgh
REPARTO Rena Owen, Temuera Morrison, Mamaengaroa Kerr-Bell, Julian Arahanga, Taungaroa Emile, Rachel Morris Jr., Joseph Kairau, Pete Smith, Cliff Curtis
PRODUCTORA Communicado / New Zealand Film Commission / Avalon Studios / New Zealand on Air
1994: Montreal: Mejor Película.
Venecia: mejor ópera prima
Drama
SINOPSIS: En Nueva Zelanda, una familia descendiente de guerreros mahoríes vive, al igual que muchos otros, en los suburbios de una gran ciudad, en una situación de marginalidad respecto a las personas de raza blanca. La vida familiar del clan estará presidida por los problemas de alcoholismo, la delincuencia y los escasos medios económicos. (FILMAFFINITY)
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Dura e intensa película sobre la comunidad neozolandesa de pasado aborígen que sobrevive en la modernidad de la sociedad actual. Tatuajes y alcoholismo, malos tratos y problemas familiares para un brillante debut de Lee Tamahori; su gran éxito internacional le permitió ir a Hollywood a rodar películas de mucho mayor presupuesto pero menor autenticidad. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
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“No se la pierda” (Antonio Albert: Cinemanía)
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“Vigorosa” (Luis Martínez: Diario El País)
idioma:inglés
Subtitulos en español separados incluidos
AÑO 2000
DURACIÓN 102 min.
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR Darren Aronofsky
GUIÓN Darren Aronofsky, Hubert Selby Jr. (Novela: Hubert Selby Jr.)
MÚSICA Clint Mansell
FOTOGRAFÍA Matthew Libatique
REPARTO Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, Christopher McDonald, Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Janet Sarno, Suzanne Shepherd, Dylan Baker, Keith David, Peter Maloney
PRODUCTORA Artisan Entertainment / Thousand Words
2000: Seminci: Espiga de Oro: Mejor película
Drama. Drogas
SINOPSIS: Harry (Jared Leto) vive con su atormentada madre Sara (Ellen Burstyn), y mientras él sueña con una vida mejor, ella está permanentemente a dieta para el día que pueda cumplir su mayor ilusión; aparecer en su concurso televisivo preferido. La ambición de Harry y su novia Marion (Jennifer Connelly) es hacerse ricos vendiendo droga con su amigo Tyrone (Marlon Wayans), y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca llega el dinero suficiente para iniciar su plan. A pesas de todo, Harry y Marion no se resignan a vivir una existencia que consideran despreciable, por lo que harán lo impensable para conseguir la vida que anhelan. (FILMAFFINITY)
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Tras su éxito con “Pi”, Aronofsky vuelve a sorprender con esta singular, durísima e intensa historia sobre la experiencia de la adicción a las drogas y a los sueños. Una escalofriante Ellen Burstyn consiguió una nominación al Oscar a la mejor actriz en este chute de cine en vena, efectista y realista al mismo tiempo, algo difícil de explicar. Sin duda brutal e impactante, cuando se deja reposar se siente, extrañamente y según para quién, algo sobrevalorada. En mi opinión la impresionante banda sonora de Mansell adultera la calidad artística del filme como tal, elevándolo por encima de lo que se merece. Los jóvenes fliparon (flipamos) ante unos simples -pero increíblemente efectivos- compases de notas en “crescendo” que, oh sí, ponían la carne de gallina, creando para el futuro legión de seguidores de su nuevo “camello” de cine favorito, un tipo fascinante que ofrecía sensaciones diferentes: Darren Aronofsky. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
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“Aparatosa, irregular, pero fascinante nueva obra de Aronofsky” (Javier Ocaña: Cinemanía)
“Mirrors” es una remake de una película sur-coreana del 2003 escrita y dirigida por Sung-ho Kim.
AÑO 2008
DURACIÓN 110 min.
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR Alexandre Aja
GUIÓN Alexandre Aja, Grégory Levasseur (Remake: Sung-ho Kim)
MÚSICA Javier Navarrete
FOTOGRAFÍA Maxime Alexandre
REPARTO Kiefer Sutherland, Paula Patton, Cameron Boyce, Erica Gluck, Amy Smart, Mary Beth Peil, Jason Flemyng
PRODUCTORA 20th Century Fox
Terror. Remake
SINOPSIS: Un guardia de seguridad (Kiefer Sutherland) de un centro comercial se ve envuelto en un misterio alrededor de unos escaparates con espejos en el departamento de ropa que aparentemente hacen que saque lo peor de las personas que se reflejan en ellos… Remake de la película surcoreana “Geoul sokeuro” (El otro lado del espejo), dirigida por Kim Seong-ho en 2003. (FILMAFFINITY)
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“Escalofríos menores en un importante bajón del talentoso Alexandre Aja” (Jeannette Catsoulis: The New York Times)
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“De lo mejor como terror blando, de lo peor como fallida alegoría, ‘Mirrors’ refleja poco más allá del deseo de Aja de llevar el género a territorios menos agresivos y más rentables.” (Rob Nelson: Variety)
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“Una película de terror que da miedo. (…) hay mal rollo de verdad y casi todo funciona. (…) rematado con un final talentoso. (…) Puntuación: *** (sobre 5).” (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)
AÑO 2008
DURACIÓN 96 min.
PAÍS [Bélgica]
DIRECTOR Fabrice Du Welz
GUIÓN Fabrice Du Welz, David Greig, Oliver Blackburn
MÚSICA François Eudes
FOTOGRAFÍA Benoît Debie
REPARTO Rufus Sewell, Emmanuelle Béart, Julie Dreyfus, Petch Osathanugrah, Amporn Pankratok, Borhan Du Welz
PRODUCTORA Coproducción Bélgica-Francia-Reino Unido; Backup Films
Drama. Aventuras
SINOPSIS: Cuenta la historia de una pareja aquejada por fenómenos paranormales tras la trágica muerte de su hijo. Además como telón de fondo está la tragedia del devastador tsunami que asoló parte del sureste asiático en diciembre de 2004 (FILMAFFINITY)
AÑO 2005
DURACIÓN 120 min
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR Francis Lawrence
GUIÓN Kevin Brodbin & Frank Cappello (Historia: Kevin Brodbin)
MÚSICA Brian Tyler & Klaus Badelt
FOTOGRAFÍA Philippe Rousselot
REPARTO Keanu Reeves, Rachel Weisz, Shia LaBeouf, Tilda Swinton, Pruitt Taylor Vince, Djimon Hounsou, Gavin Rossdale, Peter Stormare, Michelle Monagha
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / Village Roadshow Pictures
SINOPSIS: John Constantine ha estado en el infierno y ha vuelto. Nacido con un don que no deseaba, la capacidad de reconocer claramente a los ángeles y a los demonios híbridos que andan por la tierra bajo un aspecto humano, Constantine (KEANU REEVES) se vio empujado a quitarse su propia vida para escapar de la atormentadora claridad de su visión. Pero fracasó. Resucitado en contra de su voluntad, se encontró de nuevo en el mundo de los vivos. Ahora, marcado por su intento de suicidio con una esperanza de vida temporal, patrulla la frontera terrenal entre el cielo y el infierno, esperando en vano ganarse el camino a la salvación enviando a los esbirros del diablo de vuelta a las profundidades. Pero Constantine no es ningún santo. Desilusionado por el mundo que le rodea y enfrentado con el del más allá, es un héroe amargado que bebe en exceso, lleva una vida dura y desprecia la sola idea de heroísmo. Constantine luchará para salvar tu alma pero no quiere tu admiración ni tu agradecimiento – y por supuesto no quiere tu simpatía. Todo lo que quiere es un aplazamiento. Cuando una desesperada pero escéptica detective de policía (RACHEL WEISZ como Angela Dodson) consigue su ayuda para resolver la misteriosa muerte de su querida hermana gemela (también interpretada por Weisz), su investigación les lleva a través del mundo de demonios y ángeles que subyace justo bajo el paisaje de la actual ciudad de Los Angeles. Atrapados en una catastrófica serie de acontecimientos sobrenaturales, los dos se encuentran inextricablemente involucrados y tratan de encontrar su propia paz a cualquier precio. (FILMAFFINITY)
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Adaptación de un cómic (reconvertido en videojuego) acerca de un hombre que tiene un don que no desea: es capaz de reconocer los ángeles y demonios que pueblan la tierra camuflados como humanos. En Estados Unidos obtuvo unas críticas mediocres. (FILMAFFINITY)
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“Constantine es un híbrido único: teológico cine negro de acción. Y hasta que llega a su final irrevocablemente tontorrón, merece la pena verla” (Richard Corliss: Time)
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“Keanu Reeves no tiene competencia cuando se trata de interpretar a este tipo de personajes mesiánicos: los insufla de un aire Zen y sereno que de algún modo, incluso cuando aborda las escenas más improbables, le mantiene una tranquila y sencilla dignidad.” (Carina Chocano: Los Angeles Times)
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“Demoniaco entretenimiento. (…) Ese tono intrascendente sobre asuntos aparentemente trascendentes es el que convierte su película en algo tan divertido. (…) soberbios efectos especiales.” (Javier Ocaña: Diario El País)
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“La cinta no permite el aburrimento y está rodada con toda clase de lujos técnicos y sobredosis de imaginación (…) tampoco descuida el reparto e incluso procura a Keanu Reeves el estupendo contrapunto de Rachel Weisz” (Federico Marín Bellón: Diario ABC)
AÑO: 1951
DURACIÓN: 111 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Billy Wilder
GUIÓN: Billy Wilder, Lesser Samuels, Walter Newman
MÚSICA: Hugo Friedhofer
FOTOGRAFÍA: Charles Lang Jr. (B&W)
REPARTO: Kirk Douglas, Jan Sterling, Robert Arthur, Porter Hall, Frank Cady, Richard Benedict, Ray Teal, Lewis Martin, John Berkes, Frances Dominguez, Gene Evans, Harry Harvey, Frank Jaquet
PRODUCTORA: Paramount Pictures
Drama
SINOPSIS: Charles Tatum es un periodista sin escrúpulos que atraviesa una mala racha a causa de su adicción al alcohol, y que se ha visto obligado a trabajar en un pequeño diario de Nuevo México. Cuando un minero indio se queda atrapado en un túnel, Tatum ve la oportunidad de volver a ser alguien en el mundo del periodismo dando espectacularidad al caso y alargando el rescate en connivencia con el sheriff de la localidad. (FILMAFFINITY)
“Me parece la crítica más lúcida y feroz que el cine ha hecho nunca sobre la manipulación que ejerce cierto periodismo y sobre el morbo y el egoismo de las masas.” (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
“Tan cruel como real” (Javier Ocaña: Cinemanía)
Cita:
Novena película de Billy Wilder. Escriben el guión Billy Wilder, Lesser Samuels y Walter Newman, a partir de un argumento inspirado en hechos reales. Se rueda en exteriores de Nuevo Méjico y LA y en los platós de Paramount Studios (LA), con un coste de 1,8 M dólares. Es nominada a un Oscar (guión) y gana un Premio Internacional de Venecia (director). Producida por Billy Wilder, se estrena en “première” el 15-VI-1951 (Londres).
La acción se divide en un prólogo situado en Albuquerque (1950) y un relato de 6 días de duración que se desarrolla en Albuquerque y Nuevo Méjico (1951). El periodista Charles “Chuck” Tatum (Douglas), tras ser despedido de su último empleo, recala en la redacción de un diario local “Albuquerque Sun-Bulletin”. Tatum es arrogante, embustero, cínico, manipulador y alcohólico.
El film mezcla los géneros de drama y crimen. Billy Wilder lo realiza en un momento dulce de su carrera, entre “El crepúsculo de los dioses” (1950) y “Traidor en el infierno” (1953). En él participa como director, productor y coguionista. Es la primera realización después de su ruptura con Charles Brackett y la única colaboración con Douglas. La obra está narrada desde el punto de vista de Tatum. Este hecho refuerza los efectos derivados de la ausencia de protagonistas simpáticos o amables con los que el espectador se pueda identificar. La obra teje un entrelazado de culpabilidades y complicidades, que afectan a casi todos. Los dardos críticos se dirigen a los medios de comunicación, a los profesionales de la información, a los políticos y al público, que con su demanda determina formas y contenidos informativos. Éste es mostrado como devorador voraz de noticias morbosas, aficionado al voyerismo de desgracias ajenas y dado a asociar la propia insensibilidad con aires de recreo y fiesta. Condena el amarillismo, la manipulación y tergiversación de la verdad, las ansias de protagonismo y poder, la codicia, la traición y la corrupción. El film se inspira en dos hechos reales, el de Floyd Collins y el de Kathy Fiscus. La mano de Wilder se advierte en muchos detalles: vendedor de seguros, compañía Pacific All-Risk Insurance (la de “Perdición”), extraño encendido de la cerilla (sobre máquina de escribir), rubia platino maléfica, chispas de comicidad visual (tropiezo con cabo tienda de campaña), tren, etc. El film fracasa en EEUU y obtiene cierto éxito en Europa. Es uno de los films preferidos de Woody Allen.
La música, de Hugo Friedhofer (“Tú y yo”, McCarey, 1957) juxtapone melodías estridentes descriptivas y melodías armónicas ambientales. Añade dos canciones: “The Hut-Sut Song” (Benedict y Douglas) y “We’re Coming, Leo” (vocalista y banda). La fotografía, de Charles Lang (“Berlin Occidente”, 1948), se recrea en planos elevados y profundos muy detallados, movimientos multitudinarios y ambientes concurridos. Se beneficia de más de mil extras y unos 400 vehículos. El plano final es magnífico. Buenas interpretaciones y excelente guión. Drama muy sólido.
Miquel. Filmaffinity.
AÑO: 1933
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: USA
DIRECTOR: Wesley Ruggles
GUIÓN: Mae West, Lowell Brentano, Harlan Thompson
MÚSICA: Harvey Brooks
FOTOGRAFÍA: Leo Tover (B&W)
REPARTO: Mae West, Cary Grant, Kent Taylor, Edward Arnold, Gregory Ratoff, Gertrude Michael, Ralf Harolde, Dennis O’Keefe
PRODUCTORA: Paramount Pictures
Sinopsis:
Film de gran éxito en el que Mae West, que interpreta a una estrella del circo con mucho éxito entre los hombres, tuvo todo el control sobre el guión, director y reparto. Como no podía ser de otra manera y dada su protagonista, tuvo su polémica. (FILMAFFINITY)
- ¿Eso que tienes en el bolsillo es una pistola o es que estás contento de verme?
- Cuando soy buena, soy muy buena, pero cuando soy mala, soy mucho mejor.
- Cuando tengo que elegir entre dos males, siempre prefiero aquel que no he probado.
- Las chicas buenas van al cielo, las malas van a todas partes.
- ¿Para qué casarse y hacer sufrir a un hombre cuando se puede hacer felices a muchos?
Año: 1956
Título original: Ilya Muromets
Dirección: Aleksandr Ptushko
País: Unión Soviética
Guión: Mikhail Kochnev
Música: Igor Morozov
Fotografía: Yuli Kun, Fyodor Provorov
Reparto: Boris Andreyev, Shukur Burkhanov, Andrei Abrikosov, Natalya Medvedeva, Yelena Myshkova, Sergei Martinson, Georgi Dyomin, Aleksandr Shvorin, Nikolai Glazkov, Vladimir Solovyov
Un hombre que no puede andar logra recuperarse con la ayuda de unos peregrinos, que le dan una misteriosa poción. Al beberla, el protagonista consigue además una fuerza atroz que le llevará a enfrentarse a todo tipo de seres que se tope en su camino.
Adaptación de cuentos populares rusos sobre el héroe mitológico Ilya Muromets. Según la leyenda, Ilya era el hijo de un granjero, que nació en la villa de Karacharovo, cerca de Múrom. Sufrió una seria enfermedad en su juventud y fue incapaz de andar hasta la edad de 33 años, cuando fue curado milagrosamente por dos peregrinos. Ptushko recrea con gran imaginación y un potente estilo visual las andanzas de este héroe involuntario en una historia que a veces se desarrolla de una forma un tanto absurda y que resulta surrealista, incluso para una película de género fantástico. Los efectos ayudan, pese al año de realización, a que nos adentremos en este mundo de espada y brujería.
“Al igual que Mario Bava, William Cameron Menzies y George Pal, Ptushko era en parte inventor y en parte artista, cuya fantástica imaginación produce obras de pura invención visual” – Alan Upchurch.
DVDRip / Xvid
Idioma: ruso + subtítulos en español (incluidas en el rar)
Duración: 86 minutos
Tamaño: 1,34 GB
AÑO: 1946
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Joseph L. Mankiewicz
GUIÓN: Howard Dimsdale (screenplay) and Joseph L. Mankiewicz (screenplay); Lee Strasberg (adaptation); Marvin Borowsky (story)
MÚSICA: David Buttolph
FOTOGRAFÍA: Norbert Brodine (B&W)
REPARTO: John Hodiak, Nancy Guild, Lloyd Nolan, Richard Conte, Josephine Hutchinson
PRODUCTORA: 20th Century-Fox
Cine negro
Reseña crítica: La cámara abre los ojos y comienza a entrar en clima: hospital de campaña, a fines de la II Guerra Mundial. El protagonista es llamado “Taylor”, y, ante la ausencia de recuerdos tan básicos como “quien soy y dónde estoy” da por sentado que ese es su nombre y que se halla hospitalizado luego de pisar una mina. Cuando la cámara se separa del individuo, vemos a un hombre (John Hodiak) con el rostro completamente vendado que ha perdido la memoria y que, debido a ciertos razonamientos, trata de que nadie más se entere de ese detalle. Pasan los meses y, restablecida su salud (no así su memoria), inicia una investigación para descubrirse a sí mismo. Una pista lo lleva a un banco, a un gimasio, luego a un pub regenteado por un empresario amigable (Richard Conte) y en donde la bella de turno (Nancy Guild) realiza su número musical. De vez en cuando aparece un policía (Lloyd Nolan), que se hace notar por no usar sombrero en interiores y por tener ingeniosas réplicas para diversos eventos de su duro oficio. Pronto entran en escena personajes no tan simpáticos: un adivino de dudosa moral (Fritz Korner), una atractiva pero peligrosa dama (Margo Woode) y algún que otro matón. No pasa mucho tiempo que el protagonista recibe su primera paliza, es seguido por un hombre misterioso e ingresa en un manicomio en busca de un paciente que conoce su identidad (Houseley Stevenson). A la larga, la trama se complica en vericuetos complejos, que dan pie a diálogos brillantes y premisas atrayentes, especialmente la cuestión de si la perdida de memoria implica tambien pérdida de la naturaleza y convicciones del invididuo. Como en toda buena película de Joseph L. Mankiewicz, importa menos la trama lineal que las situaciones y los personajes. Como en toda buena película de Mankiewicz, las escenas de diálogo memorables están a la orden del día, y se destaca la escena entre John Hodiak y Josephine Hutchinson, es decir, un hombre que quiere recordar su vida y una mujer que desea olvidar la propia. El desenlace por lo tanto, se convierte en una especie de cliché que sirve solo para dar fin a la trama, así que no es lo más importante de la película.
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